Мария Занько – креативный продюсер брендингового агентства Sondo Moon
О работах на стыке дизайна, арта и фотографии.
Об импрессионизме и японской культуре.
О поиске смысла в концепции бренда
и о том, как все это связано.
Текст: Агния Чёрная
Фото: Кирилл Трухин
Коллаж: Анастасия Генгер
Мода всегда вписана в контекст происходящего. Что это значит?
Чтобы работать в контексте моды, нужно понимать, какие процессы происходят в мире. Все социальные и политические изменения мода транслирует и выражает в виде коллекций, манифестов. Это всегда работа с образом. Тренды и цвета могут меняться, но образ, заложенный в концепцию бренда, является основным. Задача художника – найти и понять его.
Поиск смыслов и образов – это целенаправленная, почти научная деятельность?
Да, на грани с личностной, внутренней, психологической работой. У каждого человека свой бэкграунд, опыт и понимание прекрасного, того, что он хочет донести в мир своей деятельностью, своим продуктом. Поэтому мы и видим столько разных художников, их внутренние поиски. Это не просто «сшить» блузку или рубашку, чтобы заполнить востребованную нишу. Естественно, можно делать и так, без привязок к образам и смыслам, и тоже иметь успех – это прекрасно!
Современная мода – искусство, которое не всегда «понятно». А должна ли современная мода быть понятной?
Каждый из творцов выбирает приоритеты. С точки зрения продаж и самовыражения всегда идет поиск баланса. У любого, даже самого авангардного художника. Мне вспоминается Рей Кавакубо (Comme des Garçons). Это полная деконструкция, удивительный, уникальный случай. Но на подиуме мы видим одну часть коллекции – яркое самовыражение с определенным характером и неповторимым почерком. Потом же идем в магазин за его обычными брюками, футболками, кепками, понимая, что покупаем нечто большее. Мы хотим быть сопричастны к искусству, образу, высказыванию, затронутой теме. Даже бренды, которые изначально шили одежду, закрывая потребность в определенной нише, начинают задумываться: «А чем я могу отличиться? Что могу дать большего, чем просто продукт?».
Сейчас мало быть качественным, хорошим, красивым продуктом. Нужно быть в контексте. Когда есть концепция, всегда интереснее и эффективнее общаться со своей, пусть и небольшой, аудиторией.
Междисциплинарные работы. Как это получилось?
В один момент мне наскучили простые съемки. Появилась потребность в смысловых слоях. Интересно работать именно со смыслом, с ключевой идеей. Совершенно другой подход к продакшну. Когда понимаешь основную идею и все начинают ее осознавать, становится ясно, что снимать, как снимать, почему именно так. Мне интересно работать с фотографами, у которых есть художественный почерк. Это люди, которые могут увидеть больше меня. Зная, что Марина Михайлова – фотограф, но изначально – художник с нестандартным взглядом, я предложила ей поработать с уже готовыми фото. Так появились «дорисовки». Получился «продукт после продукта», который вылился в большую художественную работу, соединившую дизайн, фото и арт.
С чего все началось?
Мы работали над концепцией бренда, который включал в себя довольно простую домашнюю одежду с элементами восточной культуры, отсылающими к образам самураев. Когда мы общались с создателем, поняли: это и есть ключевая деталь во всех коллекциях. Мы сделали съемку без какой-то привязки. Это не была каталожная съемка, это был кампейн. Мы понимали, что у нас есть отсылки к японской культуре, но еще не знали, как получится. И вот эта съемка: очень приятная по цвету. Смотришь, и тебе нравится. Есть элементы, поддерживающие основной замысел, связанный с восточной культурой.
И вдруг мне все это стало напоминать выставку импрессионистов в картинной галерее. На тот момент вообще не догадывалась, что это может быть связано. Но я начала «копать». Япония, будучи долгое время закрытой, в 1854 году заключила договор с США (Канагавский договор). После «открытия страны» вал японской культуры пошел в Америку, а потом и в Европу, в Париж. Я вдруг поняла, какое влияние японизм оказал на импрессионистов, которых все мы прекрасно знаем. Они взяли оттуда все, что видели на картинах и гравюрах японских художников: Хокусая, Утамаро, Хиросигэ. Оттуда пришла сокращенная перспектива, нестандартное соединение цветов, ракурсы.
Мы с Мариной Михайловой увидели, как «дорисованные» работы обрели смысл, определенный характер. Это было сочетание стойкости духа и свободы. С точки зрения концепции у меня появились «доказательства». Я поняла, что мне сейчас интересно сотрудничать с дизайнерами, фотографами и художниками именно в междисциплинарном ключе.
Получается синтез. Я работаю на уровне создание концепции, помогаю определить ключевые смыслы, образы, потом идут съемки и следующий этап – темы, которые можно раскрыть с помощью арта. Они могут быть абсолютно разные, это огромное поле для творчества. Для кого-то такая работа кажется сложной: она многослойная, многоуровневая. Но для меня это даже проще – нет границ, точных отметок, как это должно быть. Есть понимание, какую эмоцию хочется передать. Ты сам ее ловишь. Кампейн предполагает работу с образом. Там может быть вообще не про человека и не про одежду. Это про образ, настроение, эмоции. Эмоции – самое главное слово.